La muestra del artista francés será inaugurada este viernes a las 18:00 horas
Las singulares obras fotográficas del artista francés Georges Rousse podrán verse desde hoy en el MAC, en una muestra que abarca creaciones realizadas entre 2000 y 2013. Son fotografías de grandes dimensiones, de edificaciones abandonadas o paisajes que el artista interviene in situ y luego recompone mediante la fotografía valiéndose de juegos ópticos. Su obra ha sido exhibida en diversos museos del mundo y ha obtenido prestigiosos reconocimientos.
George Rousse
Foto: Javier Liaño
Se está en presencia de un verdadero artista cuando su obra, en el formato que sea, nos transforma, nos renueva. Uno no es el mismo antes de esa obra. O dicho de otro modo, se es el mismo pero de una manera nueva. Es como caminar un día por nuestra casa y enterarnos de que hay un pasillo que nunca vimos que nos conduce a una ventana que nunca imaginamos que existía. Al abrirla, miramos desde ahí el mundo y comprendemos que “los cuatro puntos cardinales son tres: el norte y el sur” como decía Huidobro.
Con la obra del francés George Rousse acontece eso: la lógica formal del pensamiento salta y en ese intervalo en que se despega del suelo es la imaginación la que nos viste con alas y nos conduce hacia un paisaje donde la ilusión es un regalo en abundancia. Qué importa saber si es real o no, sabemos que es bello y esa verdad es la que importa.
Incluso la obra en sí de Rousse se despega de la lógica de clasificación de una obra de arte. Es una obra que no solo maravilla por su belleza, sino que desconcierta por lo insólito de su formato, de su producto final al que no sabemos cómo definir. ¿Es Rousse un pintor o un fotógrafo o un arquitecto? Lo que vemos ¿es un espacio arquitectónico intervenido con pintura o photoshop o es la fotografía más la pintura la que compone y recompone el espacio? ¿Es la arquitectura, la pintura o la fotografía el quid de su obra? Artista en definitiva sí lo es y con mayúscula. “Toda obra de arte es hija de su tiempo” dijo alguna vez Kandinsky, qué mejor ejemplo que el arte de este francés.
Se ha pasado casi veinte años de su trayectoria artística experimentando con la integración de arquitectura, pintura y fotografía mediante un planteamiento que ha sido su sello: la selección de un espacio anónimo o derruido, en el que interviene pictóricamente y finalmente retrata. Georges Rousse (París, 1947) ha venido a plantear un nuevo concepto de arte: por un lado su interés en la arquitectura y geometría lo llevan a experimentar con la transformación de los espacios que escoge y utiliza, y por otro, su apuesta por expandir los límites de la fotografía.
“Mi trabajo es casi siempre en lugares abandonados, lugares que van a ser destruidos o transformados y ahí realizo una intervención que la mayoría de las veces va a ser una obra fotográfica” explica el galo como punto de partida para comprender su obra.
El artista interviene la arquitectura directamente con nuevas gráficas, trazos y pintura, y luego realiza un registro fotográfico. De esta manera, la arquitectura es a la vez material y marco de su trabajo. Es así entonces que mediante la anamorfosis, la deformación de la imagen valiéndose de un procedimiento óptico, transforma los lugares que escoge para dar paso a nuevos espacios virtuales. En simple, Rousse, sirviéndose de sus conocimientos de perspectiva y por medio de la aplicación del color, se dedica a crear juegos ópticos teniendo como soporte la arquitectura, elemento determinante a la hora de concebir la obra.
Ahí entra en escena la lente de la cámara fotográfica, la que finalmente resuelve la creación y reorganiza la composición, deconstruyendo la aquitectura del lugar. ¿Importa saber si es el resultado -la fotografía-, el recurso utilizado -la arquitectura pintada- o el acto creativo en sí mismo -la intervención- el que puede considerarse como obra de arte?
Proceso de trabajo de George Rousse
Fotos: Gentileza MAC
Rousse es un tipo que trabaja solo, incluso a la hora de crear y modificar los espacios donde interviene, y se niega a clasificarse como fotógrafo o arquitecto.
“Lo que a mí me interesa es la memoria de los lugares”, explica. “Si me proponen trabajar en una fábrica abandonada, lo que me interesa es la relación de mi propio cuerpo con este lugar abandonado. Si saco una fotografía de este lugar que va a ser abandonado sin ningún tipo de intervención, sólo va a ser una foto de archivo, pero si intervengo este mismo espacio, es una relación única entre el espacio destinado a desaparecer y yo”.
“Es como el artista en su taller, con un taller ambulante, porque me desplazo y trabajo en lugares distintos”, señala. “La fotografía memoriza el lugar destinado a desaparecer y la acción que yo realizo en este lugar”.
Sin embargo, el artista no sólo trabaja con sitios abandonados. También el paisaje es uno de sus focos de atención.
“En un principio yo era fotógrafo que se dedicaba a sacar fotos de lugares arquitectónicos y en ruinas. Pero en un momento descubro que existe el landart, que es un arte donde se interviene en un paisaje y que se puede retratar a través de la fotografía y en un momento descubro los limites de la fotografía pura” cuenta.
“Me atrae la posibilidad de trabajar en el paisaje y esto mostrado por la fotografía, pero me doy cuenta de que mis intervenciones en el paisaje son menos interesantes que lo que ya existe en la naturaleza, entonces comienzo a hacer pinturas en muros en la ciudad en lugares que van a ser destruidos. Al comienzo yo representaba personajes que representaban fantasías, sueños, y como estos muros los iban a demoler, la fotografía permitía memorizar el espacio que desaparecería y mi propia pintura”, agrega.
Rousse comenzó entonces a mirar el espacio de una manera distinta y abandonó la figuración. “Comencé a ver el espacio como un momento poético y de espiritualidad, es ahí cuando comencé a introducir formas geométricas en el espacio”.
Muchos de los efectos ópticos que Rousse realiza podría uno pensar que los realiza con Photoshop. Pero el francés advierte que desde que comenzó hace 20 años a transformar los espacios y cuando nació el photoshop, “la gente comenzó a creer que este era un efecto creado con esta herramienta”. Entonces empezó a hacer instalaciones en lugares públicos. Y así cuando tenía una exposición en un museo, hacía una instalación de manera “que la gente entendiera que se trataba de un trabajo directo sobre el espacio arquitectónico y no un montaje digital” explica.
Señala que su trabajo es todo lo contrario de photoshop. “En principio yo tomo fotografías del espacio en el que trabajaré, ahí evalúo qué espacio y partes de la arquitectura me pueden servir para mi instalación. Luego hago acuarelas”. Afirma que es un trabajo lento que le permite comprender cómo ocupar el espacio y cómo trabajar con la luz. “La acuarela me permite ver si es el lugar es muy oscuro o hay mucha luz para encontrar una solución o recurso para jugar con ello. Por lo tanto para construir y fotografiar comienzo con la acuarela primero: con la acuarela vivo toda la organización del trabajo”.
Ejemplo de su arte son las imágenes relacionadas a la Ciudad Abierta de Ritoque, escenario de varias instalaciones que fascinaron al galo en su primera visita. “Cuando vine a Chile en 1989, tuve la oportunidad de visitar Ritoque que está cerca de Valparaíso y me encantó el concepto de arquitectura y poesía relacionado con la naturaleza” explica. “Para mí fue un descubrimiento muy importante. Lo que yo quise hacer es ver la evolución de la unión de estos conceptos, arquitectura, naturaleza y poesía”.
Foto: Javier Liaño
En esta ocasión, su obra relacionada a Ritoque ocupa el hall central del MAC. “Cuando me hablaron de hacer una instalación acá en el museo quedé muy impresionado por el vacío de este hall e inmediatamente imaginé una construcción, pero la idea de reproducir una casa de las de Ritoque llegó después, porque mi idea inicial era hacer una pirámide en el centro levitando, y cuando hicimos una reunión de balance propuse la idea de reproducir una casa de Ritoque” apunta el artista sobre cómo se originó su instalación.
“Consideraba que ocupaba muy bien el espacio de este hall, además había una idea muy interesante, que era construir una arquitectura dentro de la arquitectura, confrontar la arquitectura neoclásica del edificio con esta arquitectura que se podría llamar contemporánea”.
Explica que así como transforma los lugares abandonados, él quiso transformar la casa en una figura geométrica que no podemos revelar (pidió expresamente no develar el misterio) para darle una dimensión poética a la casa, que se superpone con una figura geométrica que se forma en el interior de la casa”.
¿El porqué de esa figura geométrica que no podemos nombrar? “Porque en Ritoque la noche impresiona mucho con todas las estrellas y el Pacifico de fondo”. Y agrega: “Para nosotros los franceses Valparaíso es un lugar mítico”. Su idea es buscar financiamiento para llevar esta instalación a Francia y poder exhibirla en una exposición el próximo año.
La inauguración de esta exposición será este viernes 25 de octubre, día en que ofrecerá una charla gratuita que se podrá ver en directo vía streaming en la dirección www.livestream/anillaculturalmac
Esta entrevista se realizó gracias al apoyo del Instituto Francés de Chile y la traducción de Safia Tahri.
