Las nueve películas consideradas en esta sección incluyen las tres recientes obras del surcoreano Hong Sangsoo a las que se suman las últimas películas de Philippe Garrel, JF Ossang y Claire Denis, además de una clásico de Jean-Luc Godard.
Zama, la nueva película de la argentina Lucrecia Martel y una de las cintas más esperadas de la década, tendrá su premiere en Chile en la sección Gala del 24º FICVALDIVIA, que se realizará entre el 9 y el 15 de octubre próximo.
La cinta, adaptación de la novela homónima que Antonio Di Benedetto publicó en 1956, pilar de la narrativa del siglo XX en Argentina, está ambientada en la Sudamérica colonial y se centra en Diego de Zama, funcionario de la corona instalado en Asunción del Paraguay, quien se encuentra literalmente paralizado por la burocracia de la gobernación a la espera de su traslado. El tiempo transcurrido comienza a trastocar el sentido de identidad de su protagonista y Lucrecia Martel, como lo hiciera en La Ciénaga (2001) registra la alienación y la pérdida de sentido.
Zama es la conclusión de un largo proceso creativo y de búsqueda iniciado por su directora luego de La Mujer sin Cabeza (2008) el último filme que estrenó. Luego de eso, la directora acarició la posibilidad de adaptar la obra El Eternauta, historieta mítica que Héctor Germán Oesterheld publicó entre 1957 y 1959. La imposibilidad de concretar ese proyecto la llevó más tarde a inclinarse por el estilo atmosférico de la prosa de Antonio Di Benedetto y por las posibilidades de puesta en escena que permitía su alucinante novela.
Martel, quien ya se había convertido en una personalidad mitológica del cine latinoamericano gracias a sus tres primeras películas, vio acrecentada su veneración precisamente por los años transcurridos hasta este nuevo estreno.
Luego de un rodaje accidentado y de dilataciones en su finalización, a comienzos de este año, la factura final del filme se mantenía con bastante cautela hasta que un primer tráiler permitió atisbar sus amplios márgenes expresivos y su estreno mundial -fuera de competencia en el Festival de Cine de Venecia en agosto pasado- certificaron para quienes la han visto la magnitud de las expectativas en torno a ella.
El surcoreano Hong Sangsoo está entre los directores más prolíficos de la actualidad. Desde 2009 aumentó la velocidad de producción de sus filmes a dos o más películas por año y eso explica por qué desde Yourself and Yours en 2016 ha acumulado ya tres largometrajes nuevos: On The Beach at Night Alone, Claire’s Camera y The Day After.
Las tres películas, producidas y estrenadas internacionalmente a lo largo de este año, también formarán parte de esta sección del festival.
La sección se orienta a la difusión de las películas más recientes de grandes realizadores, la mayoría de ellas exhibidas ya en el circuito internacional de festivales de la primera mitad de año.
En el caso de Hong Sangsoo, Claire’s Camera y The Day After se exhibieron en el reciente Festival de Cine de Cannes, la primera fuera de competencia y la segunda como parte de la competencia oficial. Claire’s Camera es una experiencia inusual en la que el realizador se reunió en el Festival de Cannes de 2016 con la actriz Isabelle Huppert, con quien había trabajado ya en In Another Country (2012), y rodaron durante esos días de manera casi improvisada la historia de un equipo cinematográfico surcoreano ad portas del estreno de su película en el festival francés y el apoyo que les brinda una fotógrafa parisina.
Distinto es el caso de The Day After. Rodada en blanco y negro y con una puesta en cámara incluso más austera que lo acostumbrado por Sangsoo, la cinta expone la crisis de un editor y crítico literario, luego de engañar a su mujer con una compañera de trabajo. Como suele ser usual en el realizador, el filme refuerza la fragilidad afectiva de sus personajes con una puesta en escena que juega con el tiempo y con la acción y transforma el relato en un escenario incierto y ambiguo.
En On The Beach at Night Alone el centro es un personaje femenino; una actriz que luego de terminar un romance con un hombre casado se traslada a Hamburgo, hasta donde la persiguen los recuerdos de esa relación. Junto con los otros dos, esta película conforma un compendio perfecto de los temas y estilos de uno de los directores más admirados en la actualidad.
A JF Ossang se le conoció fugazmente en Chile en 1997, cuando se instaló algunos días en Santiago para el rodaje de la coproducción Docteur Chance, un thriller casi imposible con un elenco que incluía al ex The Clash Joe Strummer además de Marisa Paredes y Francisco Reyes. Desde entonces Ossang, cuyo verdadero nombre es Jacques Plougeaut, se recluyó en un ostracismo creativo de más de una década, para luego reaparecer con un par de obras breves. Dharma Guns (La Succession Starkov) (2010) fue su regreso al largometraje y demostró que su vocación por lo excéntrico, el estilo retro y la fusión de géneros seguía presente. 9 Doigts es su último largometraje, un filme laberíntico y con una estilizada visualidad extraída del cine negro clásico, que sigue la aventura de un médico quien, luego de huir de un control de identidad policial, se toma con un moribundo que será la puerta de entrada a una intriga criminal. El filme se presentó en el reciente Festival de Cine de Locarno y tendrá en Valdivia su primer visionado latinoamericano.
Tal como el de Ossang el estreno de Western, de Valeska Grisebach, es también un retorno en tanto es el primer filme de esta realizadora alemana desde Nostalgia, su segundo largometraje estrenado en 2006. Si en aquella cinta abordaba los efectos de un triángulo amoroso, en su reciente largometraje reitera su observación del entorno obrero a partir de la asimilación de los códigos del género de vaqueros. El filme narra las tensiones culturales entre un grupo de trabadores alemanes instalados en una obra en una zona campestre de Bulgaria y el resto de la comunidad que mira con desconfianza a los recién llegados. Interpretado en su totalidad por actores no profesionales, el filme se estrenó este año en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes.
La selección para este foco se completa con tres clásicos. Philippe Garrel, Claire Denis y Jean-Luc Godard.
De Garrel, habitual en las carteleras del circuito no comercial, se exhibirá su nuevo largometraje, L’amant d’un jour, estrenado internacionalmente en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cine de Cannes. El filme retoma uno de los temas perennes del director -los intensos claroscuros en las relaciones de pareja-, a partir de la historia de una joven que vuelve a a la casa de su padre -un profesor de literatura entrado en los cincuentas-, y se entera de que tiene por amante a una chica joven de la misma edad que ella. La tensión, entonces, se centrará entre las dos jóvenes, con afectos de diversa naturaleza frente al hombre con quien conviven y con temperamentos aparentemente contradictorios.
Claire Denis, en tanto, estrena su nueva película desde Les salauds (2013), presentada en el FICVALDIVIA 20. En un tono muy diferente de aquel filme -una historia oscura sobre abuso femenino y redes de prostitución-, Un beau soleil intérieur es una comedia en la que Juliette Binoche encarna a una artista divorciada e infeliz que a pesar de su estado cree firmemente en la posibilidad de la felicidad afectiva. En esa persistencia se embarca en intentos sucesivos de relaciones afectivas que se ven estrelladas con las diferencias irreconciliables entre ella y sus posibles parejas.
El filme que finalmente logró Denis fue la deriva muy larga de un proyecto inicial de hacer una adaptación libre de Fragmentos de un Discurso Amoroso, de Roland Barthes. Con el tiempo la aproximación hacia el estatuto femenino fue imponiéndose y entregándole al filme su acabado final como una observación sobre las frustraciones de la mujer ya madura.
La última película de esta sección es el rescate de un antiguo filme de Jean-Luc Godard, realizador que a lo largo de la última década ha mantenido una producción regular y de impecable coherencia. Después del paso por FICVALDIVIA de dos de sus películas más recientes Film Socialisme (2010) y Adiós al Lenguaje (2014) ahora se suma el estreno de un antiguo telefilme, Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma, que el realizador rodó en 1986. La película corresponde al capítulo 21 de la producción para televisión Serie Negra, en la que Godard adaptó una novela criminal del británico James Hadley Chase para contar la historia de un director de cine que desesperadamente busca que un productor de moda financie su nueva película. En su momento, la crítica recibió con cierto desdén este proyecto de Godard que en más de una zona revisitaba los temas centrales de El Desprecio (1963), pero en los últimos años ha ido creciendo en su apreciación por parte de la cinéfila. La película se exhibirá en versión restaurada en formato DCP, la cual fue exhibida en el reciente Festival de Locarno, en donde tuvo su re-estreno mundial.
El Festival Internacional de Cine de Valdivia exhibe cine chileno e internacional en cuatro categorías competitivas: Largometraje Internacional, Largometraje Chileno, Cortometraje Latinoamericano y Cortometraje Infantil Latinoamericano. Su programa no competitivo incluye retrospectivas históricas, focos de cineastas contemporáneos, cine político, de vanguardia, de género y una sección de cine para niños y sus familias. Es organizado por Universidad Austral de Chile, producido por el Centro Cultural de Promoción Cinematográfica de Valdivia (CPCV), convocado por la Ilustre Municipalidad de Valdivia, el Gobierno Regional de Los Ríos y CODEPROVAL y financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile.
